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lunes, 10 de octubre de 2016

Canto Gregoriano - Videns Dominus flentes...

El canto gregoriano es el canto litúrgico de la iglesia cristiana occidental, destinado a la celebración de la Misa y de las horas del Oficio (todas las oraciones que realizaban durante las horas del día).
Recibe este nombre porque fue impulsado por el Papa Gregorio Magno para fortalecer el sentimiento de unidad cristiana.

Es un estilo de música de naturaleza litúrgica, anónimo y escrito en latín, con ritmo libre y textura monódica, cantado a capella y construido a partir de unas escalas modales.
 
 
Videns Dominus flentes es un canto de comunión en estilo silábico en el que se cuenta el milagro de la resurrección de Lázaro.


Videns Dominus flentes
sorores Lazari ad monumentum,
lacrimatus est coram Judaeis,
et clamabat:

Lazare, veni foras:
et prodiit ligatis minibus
et pedibus, qui fuerat
quatriduanus mortuus.

Viendo el Señor llorar
a las hermanas de Lázaro de cara a la tumba,
llorando y mirando a los judíos,
exclamó: 

¡Lázaro, ven fuera!
Y salió atado de manos
y pies el que había estado
cuatro días muerto.






Videns dominus flentes...


Pérotin - Sederunt principes

Perotín fue un importante compositor francés de la Edad Media, nacido en París entre 1155 y 1160 y muerto hacia 1230. 

Está considerado el compositor más importante de la Escuela de Notre Dame de París, centro principal del Ars Antiqua, en la que que se comenzó a gestar el estilo polifónico. 

Destacan sus obras a tres (triplum) y cuatro voces (quadruplum), y en particular sus organa Viderunt omnes y Sederunt Principes. Estos ejemplos son fundamentales para entender el desarrollo de la polifonía primitiva, que se construye añadiendo voces a la melodía gregoriana original.


Sobre una voz estable construida en valores largos se elevan (como en un edificio) las tres voces restantes con valores rítmicos marcados, en estilo melismático (una misma sílaba cubre muchas notas). 




jueves, 6 de octubre de 2016

Epitafio de Seikilos

El Epitafio de Sícilo (Seikilos) es la composición musical completa más antigua que se conserva.


Forma parte de una inscripción griega escrita en una columna de mármol puesta sobre la tumba que había hecho construir Sícilo para su esposa Euterpe. Data del siglo I aproximadamente.

Más que un lamento fúnebre, es un canto a la vida.

Mientras vivas, brilla,
no sufras por nada en absoluto.
La vida dura poco,
y el tiempo exige su tributo.




Pieza escrita con notación alfabética, en modo frigio, estructurada en cuatro breves frases en correspondencia con los cuatro versos, con una línea melódica desenvuelta en un ámbito de 8ª. En las interpretaciones modernas se suelen emplear algunos instrumentos propios de la época, como la lira, con un acompañamiento heterofónico



jueves, 18 de junio de 2015

Frédéric Chopin y la pieza de carácter

El terreno en el que el arte chopiniano alcanza las más altas cumbres es el del género breve para piano, la pieza de carácter. No hay que olvidar que Chopin fue uno de los principales intérpretes para piano de su tiempo. Su influencia sobre los diversos aspectos de la interpretación ha sido decisiva para el curso de la historia de la música, tanto en lo que se refiere a una ampliación de las barreras técnicas de la mera ejecución, como a la profunda transformación de los medios expresivos.

Chopin compuso tres brillantísimos Impromptus (Op. 29, 36 y 51) y una vibrante Fantasía Impromptu, Op. 66, alejados de su precedente más inmediato, Schubert, aunque conservan un cierto efecto de improvisación. 

Los Nocturnos son piezas breves, despaciosas, evocadoras de ambientes y sensaciones nocturnales, o simplemente confesiones íntimas, generalmente en forma de canción tripartita (ABA), con la sección central contrastante, cuyo creador e impulsor fue el irlandés John Field. En estas piezas, Chopin muestra su arrolladora fantasía, su riqueza melódica, su libertad creativa para alterar los moldes con espontaneidad y con sencillez. Compuso un total de veintiuno, distribuidos en varios números de catálogo. En el Op. 9, núm. 1 contrasta la dulzura y levedad de la melodía inicial con la rebeldía, inquietud y amargura, de la sección intermedia. El Op. 9, núm. 2 consiste en una elegante melodía que se va alterando y variando gradualmente. El Op. 9, núm. 3 muestra el tono humorístico e irónico, gracioso y soñador, junto al desasosiego y la duda. El Op. 15, núm. 1 se desarrolla entre la evocación y el arrebato. 

Manuscrito del Nocturno en Do # menor

El Vals es una danza en compás 3/4 cuyo origen es popular, pero que se fue estilizando a medida que la empleaban los compositores en sus obras. Los valses de Chopin siguen el modelo de "vals de concierto", alejado de la danza, y más afin al salón burgués o aristocrático. Son piezas de una gran dificultad, por los problemas de estilo, fraseo y matiz que plantean. Podemos destacar la agilidad del Vals Op. 34, núm. 3 o la tristeza contenida del Vals Op. 34, núm. 2.    

Peter Illich Tchaikovsky - "Cascanueces"

George's Balanchine Nutcracker, New York City Ballet

Entre 1891 y 1892 Tchaikovsky compone su último ballet, Cascanueces Op. 71, un encargo para la Ópera de San Petersburgo sobre un cuento de E. T. A. Hoffman: El cascanueces y el Rey de los ratones



Motivado por el proyecto, introdujo por primera vez en una partitura la "celesta", instrumento inventado por Victor Mustel. El carácter de novedad y el recelo que tenía ante la posibilidad de que alguien le copiara tal innovación, le obligaron a preparar una suite de concierto que se estrenó con gran éxito en marzo de 1892, nueve meses antes de que se estrenara el ballet completo. 


El clima de cuento de hadas es introducido por la "Obertura", seguida por una sucesión de danzas: una burlesca "Marcha"; la "Danza del hada de los confites" en la que emplea la celesta; 



la brillante "Danza Rusa: Trépak"; la exótica "Danza árabe"; la "Danza china", la pastoral "Danza de los mirlitones". La suite termina con la alegría intensa y desbordante del "Vals de las flores".



Los Strauss y el vals vienés


Johann Strauss, padre, nació el 14 de marzo de 1804 en Vina y murió en dicha ciudad el 25 de septiembre de 1849. Sus estudios y aspiraciones musicales le llevaron a formar un conjunto con Josef Lanner. En 1825 formó su propia orquesta, con la que empezó a divulgar la nueva forma del vals, llena de melodías galantes y con una orquesta ampliada a 28 músicos por Bélgica, Holanda, Francia e Inglaterra. Iniciador de la escuela, dejó la labor de divulgación del género a su hijo.

Johann Strauss II nació en Viena el 25 de octubre de 1825 y murió en la misma ciudad el 3 de junio de 1899. Compositor, director y violinista, llevó al vals a las cimas más insospechadas. Aparte de sus operetas, Strauss escribió 479 valses, algunos de ellos tan populares que han llegado a formar parte del acervo cultural europeo. 


Su divulgación durante las últimas décadas se debe en gran medida a la retransmisión del Concierto de Año Nuevo que tradicionalmente se viene celebrando en la sala dorada de la Musikverein de Viena a cargo de la Orquesta Filarmónica de dicha ciudad. 


En este tradicional concierto encontramos obras muy populares con otras más infrecuentes. Entre las más representativas se encuentra Aceleraciones, una pieza que juega con las fluctuaciones del movimiento. El Danubio Azul es la pieza más emblemática del sentir vienés, símbolo del amor que sienten por el río, por la ciudad y por el encanto de parques, jardines y monumentos que la pueblan. La Marcha persa es una de sus páginas mejor orquestadas, y se corresponde con el tradicional gusto decimonónico por lo oriental. Trisch-Trasch, Polka conserva el sutil sentido del humor del autor y una cierta comicidad amable. El majestuoso y solemne Vals del Emperador obliga a ponerse serio por unos momentos. El vals, Voces de Primavera recoge los impulsos de vitalidad renovada y el sentimiento de bienvenida de la nueva estación. La famosa Marcha Radetzky es otro de los símbolos vieneses, cuya melodía canturrean durante la celebración de año nuevo.

La opereta El Murciélago se abre con una obertura de una intensidad y de una pasión incontroladas. Annen Polka mantiene siempre la presencia de un íntimo homenaje. Sangre Vienesa simboliza el orgullo de pertenecer a una sociedad culta y refinada. Contrasta con el carácter legendario y fabuloso de Cuentos en los bosques de Viena. La Pizzicato-Polka es otra de las piezas más famosas por su estilo entrecortado y su escritura a base de pizzicati, esto es, tocar las cuerdas con los dedos, pellizcándolas. El Baron Gitano se incorpora a la tradición decimonónica de acercamiento a la música zíngara de Hungría, con todos sus giros melódicos característicos. La selección termina con el desenfadado y frenético vals Vida de Artista.


Adolphe Charles Adam - "Giselle"


Durante el siglo XIX el ballet cobra un auge desconocido hasta entonces, especialmente en Francia.

Adolphe Charles Adam (1803-1856), compuso más de cincuenta obras para la escena entre óperas y ballets. Además fue propietario de un teatro de ópera, crítico musical y profesor de composición en el Conservatorio. Su obra más conocida es Giselle, ou le wills, uno de los primero ballets escritos. Fue presentado en la Ópera de París el 28 de junio de 1841, con argumento de
Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy, y coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, sobre un libro de Heinrich Heine. 

Este ballet es una composición brillante que marcó el futuro desarrollo y estructura del género.

Edvard Grieg - "Peer Gynt"

El máximo exponente del nacionalismo noruego fue Edvard Grieg (Bergen, 1843 - 1907), formado en Alemania y gran impulsor de la música de su país a través tanto de su actividad compositiva, como de la fundación, organización e impulso de instituciones como la Academia Noruega de la Música o festivales como el de Bergen. Toda su obra esta teñida del más profundo sentimiento nacional, que une las maneras y métodos de la tradición musical culta con múltiples elementos de la música folclórica de su tierra.


La publicación en 1867 del poema dramático Peer Gynt de Henrik Ibsen tuvo tanta repercusión en los círculos intelectuales escandinavos, que obligó al autor a cambiar su destino inicial, como texto para ser leído, convertiéndolo en una pieza de ateatro en cinco actos, con incorporación de preludios, entreactos, bailes, canciones y algunos números corales. De este modo la música colaboraba en la acción dramática, creando ambientes sonoros, intensificando la acción o, simplemente, entreteniendo mientras se cambiaba la escena. El estreno en 1876 en Cristianía (hoy Oslo), fue un rotundo éxito. 


Peer Gynt en el castillo del rey de la montaña, ilustración de T. S. Kittelsen

Posteriormente el compositor elaboró dos suites de concierto con cuatro movimientos cada una, que no se ajustan al orden temporal del argumento. La primera suite está compuesta de: "Por la mañana", que describe el dulce amanecer en la costa africana; "La muerte de Ase", madre de Peer Gynt, muestra el dolor con una extremada emoción, que contrasta con el carácter lúdico y orientalizante de la "Danza de Anitra", y culmina con "En el palacio del rey de la montaña", página famosa por su esquema repetitivo e intensivo. La segunda suite contiene el "Rapto de la novia (lamento de Ingrid)", la éxotica "Danza árabe", la descripción del viaje a través del mar en el "Regreso de Peer Gynt", y finaliza con la "Canción de Solweig", mujer fiel en la que encuentra el descanso y la calma, después de tantas peripecias.



Nicolai Rimsky-Korsakov - "Scheherezade"


En el contexto del nacionalismo musical, la renovación musical en la Rusia del siglo XIX fue impulsada desde el llamado "Grupo de los cinco": Mily Balakirev, César Cui, Alexander Borodin, Modest Moussorgsky y, especialmente, Nicolai Rimsky-Korsakov (Nóvgorod, 1844 - Liúbensk, 1908). Músico marino y maestro de autores como Igor Stravinsky u Ottorino Respighi, mantuvo siempre una preocupación especial por la historia y las leyendas de su tierra natal, empleando elementos y modismos folklóricos, y también amplió las fronteras creativas en obras como Scheherezade, suite sinfónica en cuatro movimientos, a modo de episodios separados y sin conexión argumental -aunque sí musical-, presentada según el propio Rimsky-Korsakov "como si fuese un caleidoscopio de imágenes de cuentos de hadas y diseños de carácter oriental". Es una fantasía a partir de los cuentos de Las mil y una noches, de una extraordinaria riqueza tímbrica e innovador colorido instrumental, elaborada sobre materiales comunes, y guiada por el violín solista, que representa el espíritu de la narradora, la hermosa e inteligente Scheherezade.



Georges Bizet - "Carmen"

La ópera Carmen del compositor francés Georges Bizet alcanza una de las cumbres del género dramático-musical en el siglo XIX. Fue compuesta sobre un libreto tomado de la obra homónima de Prosper Mérimée, en cuya redacción intervinieron Meilhac y Halévy.

En la obra de Mérimée se narran los amores de la gitana Carmen con Don José, joven sargento español que se ve arrastrado por la pasión y llega a convertirse en bandolero y asesino.

En la ópera, los aspectos más duros y comprometidos para la sensibilidad de la época se suavizan. Bizet se preocupa por ambientar todas las escenas mediante el recurso a elementos pseudo-nacionales y pintorescos, pero lo que verdaderamente le preocupa es el estudio psicológico de los personajes, la naturaleza dramática y su caracterización escénica.

Henry Purcell - "Dido y Eneas" (1689)

Dido y Eneas es una ópera breve del compositor inglés Henry Purcell, en tres pequeños actos y un prólogo (perdido), basada en un episodio del IV libro de la Eneida de Virgilio,  

Personajes 
  • DIDO. Reina de Cartago, enamorada de Eneas. 
  • ENEAS. Héroe troyano, fugitivo de la derrota de su ciudad, jefe de los marinos. 
  • BELINDA. Compañera y confidente de Dido. 
  • BEDLAM. Bruja mayor, decidida a arruinar el amor de Dido. 

ARGUMENTO

Antecedentes
La acción tiene lugar en Cartago en una época mítica. 

Dido gobernaba el reino de Cartago con justicia y equidad. Sin embargo, sus súbditos esperaban que el reino se consolidase con el matrimonio de la reina y una válida descendencia. 

"El encuentro de Dido y Eneas", de Sir Nathaniel Dance-Holland

Acto I
La llegada de Eneas en barco con sus marinos y cautivos de Troya dan esperanzas a Belinda, amiga y confidente de la reina, que ayuda a la reina a vencer sus temores. Llega, en efecto, Eneas, y aprovechando el buen recibimiento que le tributa Dido, se anima a organizar una cacería para que nazca el amor entre ambos; de hecho Eneas ya ha quedado prendado de la reina. 


Didon montrant Carthage à Énée, Claude Gellée, le Lorrain, 1676

Acto II

Cuadro I
En una cueva cercana, la Bruja y hechicera Bedlam, enemiga de la reina, convoca a las restantes brujas del reino. Puesto que su mayor ocupación es causar daño, Bedlam busca el modo de perjudicar el naciente amor entre Dido y Eneas.

Para ello, una de las brujas se disfrazará de dios Mercurio y fingirá que los dioses exigen que el héroe troyano continúe su viaje hacia Italia, donde debe fundar lo que será el futuro imperio de Roma.

Las brujas ríen ante la perspectiva de semejante maldad, pero mientras están discutiendo se oye pasar por fuera de la caverna la cacería de Dido y Eneas. Satisfechas de su plan, las brujas bailan en la caverna. Al final, para frustrar la cacería, las brujas provocan una tempestad.

Cuadro II
En el bosque, Belinda y sus amigas bailan y representan una mascarada para divertir a los amantes. Sin embargo, la tempestad provocada obliga a interrumpir la cacería y volver a la ciudad. 


Aeneas and Dido hunting, Jan Miel

Al estallar la tormenta, todos regresan a la ciudad, excepto Eneas, a quien se aparece, por las artimañas de la hechicera un espíritu, disfrazado del dios Mercurio, anunciándole que Júpiter ordena que abandone los placeres del amor y se embarque esa misma noche y le recuerda a Eneas que debe seguir rumbo a Italia. Eneas lamenta el mandato del dios, pero lo acepta. Las brujas cantan y danzan llenas de alegría.


Acto III 

Cuadro I
En el puerto de Cartago los marineros se preparan para hacerse a la mar en las naves. Un marinero canta una canción en la que anima a sus compañeros a levar anclas y marcharse de Cartago para no volver. 

Las brujas han acudido al puerto: al ver los preparativos de marcha se alegran; su plan ha tenido éxito y Dido está vencida. Su amor ha fracasado. Las brujas bailan animadamente para celebrar su triunfo. 

Cuadro II
Eneas llega ante Dido y Belinda. Eneas trata de explicarle a Dido que los dioses imponen su marcha, pero Dido lo considera un acto de traición. Eneas intenta volver atrás diciendo que anulará la partida, pero Dido no quiere ya oír hablar de él y le ordena que se marche. 

A solas con Belinda, Dido le pide la mano y que le conforte en el momento inminente de su muerte. Le pide que la recuerde, pero que olvide su trágico destino. Muere Dido. Sobre su cadáver aparece un coro de Cupidos que a coro llora su muerte y se lamenta de un amor tan desgraciado.








miércoles, 17 de junio de 2015

Alfonso X "el Sabio" - Cantigas de Santa María - "Santa Maria, strela do dia"

Las Cantigas de Santa María son un conjunto de canciones líricas (418), escritas en galaico-portugués y acompañadas de notación musical y unas vistosísimas ilustraciones de instrumentos musicales, que se hallan entre lo mejor de la pintura de su tiempo.

El rey Alfonso X el Sabio (1221-1284) habría participado creando algunas de las piezas e impulsando la creación de las restantes. 


Estas piezas están escritas con notación mensural y utilizan estructuras de estribillo y estrofas (rondeau), con melodías sencillas en estilo silábico.

Según el contenido del texto se dividen en dos grupos: 
  • Cantigas de "miragre": relatan milagros obrados por la Virgen.
  • Cantigas de "loor": cantos de alabanza a la Virgen.  

Los códices de la Biblioteca del Escorial están adornados con numerosas miniaturas que muestran con gran detalle los instrumentos empleados en el siglo XIII: organistrum, salterio, laúd, viola de arco, rebec, cítara, arpa, trompa, trompeta, castañuelas, cornamusas, dulzainas y muchos otros. Y también se puede investigar cómo se ejecutaban estos instrumentos, que se han podido reproducir para poder tocar esta música.


"Santa Maria, strela do dia" es una cantiga de "loor" o alabanza que presenta a la Virgen como una estrella que puede guiar a los fieles hacia el Paraíso. 

Santa Maria, strela do dia,
mostra-nos via pera Deus e nos guia.

Ca veer faze-los errados
que perder foran per pecados
entender de que mui culpados
son; mais per ti son perdõados
da ousadia que lles fazia
fazer folia mais que non deveria.

Santa Maria, strela do dia,
mostra-nos via pera Deus e nos guia.

Amostrar-nos deves carreira
por gãar en toda maneira
a sen par luz e verdadeira
que tu dar-nos podes senlleira;
ca Deus a ti a outorgaria
e a querria por ti dar e daria.

Santa Maria, strela do dia,
mostra-nos via pera Deus e nos guia.

Guiar ben nos pod' o teu siso
mais ca ren pera Parayso
u Deus ten senpre goy' e riso
pora quen en el creer quiso;
e prazer-m-ia se te prazia
que foss' a mia alm' en tal compannia.

Santa Maria, strela do dia,
mostra-nos via pera Deus e nos guia.


Santa María, estrella del día,
muéstranos la vía para Dios, y guíanos.

Porque haces ver a los errados 
que se perdieron por sus pecados, 
y les haces entender que son culpables; 
pero que tú los perdonas 
de la osadía que les hacía 
hacer locuras que no debieran.

Debes mostrarnos el camino 
para ganar por todos modos 
la luz sin par y verdadera 
que sólo tú puedes darnos; 
porque a ti Dios te lo concedería
y querría dárnosla por ti, y nos la daría.

Tu juicio puede guiarnos,
más que en nada, al Paraíso
donde Dios tiene siempre gozo y sonrisa
para quien quiso creer en Él;
y me placería, si a ti te place,
que fuese mi alma en tu compañía.



Aquí os dejo otro vídeo con la partitura para flauta.

Cantiga nº 100: "Santa Maria, strela do dia"

Beethoven - "Sinfonía nº 5 Op. 67, Allegro con brio"


La Sinfonía núm. 5, Op. 67 es una de las obras de Beethoven que ha alcanzado mayor popularidad. El problema de la lucha del hombre contra el destino -que tanto preocupaba a Beethoven-, alcanza en esta obra una de sus más grandiosas plasmaciones. El primer movimiento, "Allegro con brio", comienza repentinamente con la exposición impetuosa de la famosa "llamada del destino", una célula de cuatro notas, que sirve de base estructural para toda la obra.


Partiendo de ella todos los movimientos forman parte de un plan cíclico. Hasta entonces, nunca se había llevado más lejos el desarrollo de una idea simple.


Aquí os dejo el enlace a una gran versión de la orquesta WEDO y Daniel Barenboim dirigiendo en un concierto de los famosos Proms londinenses


miércoles, 18 de marzo de 2015

Franz Joseph Haydn, el "Padre de la sinfonía"


Durante los dos viajes realizados a Londres (1791-93 y 1794-95), Haydn quedó profundamente impresionado por la recepción y por la afición del público hacia su música. Estos hechos le motivaron a profundizar en un estilo -arriesgándose con una escritura más compleja y original -, que presagia el hacer de los románticos. El resultado se materializó en las dos series de sinfonías conocidas como Sinfonías de Londres. Una buena muestra son: 
  • La Sinfonía N.º 94, conocida bajo el sobrenombre de "La Sorpresa". Quizá sea la más popular de las sinfonías de Haydn. Debe su apodo a que en el segundo movimiento (Andante) los timbales e instrumentos de viento provocan una interrupción enfática y rotunda, ante un pasaje tranquilo de las cuerdas, que produce un efecto sorprendente e inesperado. 

Berliner Philharmoniker - Mariss Janson, director

  • La Sinfonía N.º 101 toma el subtítulo de "El Reloj", por el efecto de pulsación, similar al tic-tac de un reloj, que Haydn logra, en el movimiento lento (Andante), mediante la sucesión acompasada y regular de corcheas ejecutadas en "staccato" por las cuerdas. Por encima de ella, suena una hermosa melodía con un característico ritmo mecánico.

Andante (del minuto 8:45 al 16:16)
Orquesta Sinfónica de Galicia - Richard Egarr, director

¿Cuál es la forma de dicho segundo movimiento en cada uno de los casos?

Wolfgang Amadeus Mozart - "Sonata para piano en Do mayor, K. 545, Allegro"

El movimiento inicial (Allegro) de la Sonata para piano en Do mayor, K. 545, de Wolfgang Amadeus Mozart, es un ejemplo claro, breve y muy sencillo de estructura formal de sonata.

Identifica los dos temas y observa su evolución.





Aquí te dejo un primer enlace para que puedas seguir la partitura...



Y ahora una espléndida versión de la misma en las manos del gran pianista Daniel Barenboim


Ahora puedes resolver si las siguientes afirmaciones son verdaderas o falsas:
  • Las melodías son breves y regulares.
  • El interés se concentra en la textura.
  • No se hace uso de la ornamentación melódica.
  • Se dan contrastes muy bruscos de intensidad. 

domingo, 11 de enero de 2015

Johann Sebastian Bach - "Conciertos de Brandemburgo. Concierto n.º 2 BWV 1047"

Los seis famosos Conciertos de Brandemburgo fueron compuestos entre 1718 y 1721 y están dedicados a Christian Ludwig, margrave de Brandemburgo, a quien Bach había encontrado en Berlín en uno de sus viajes. Durante este período Bach ocupaba el cargo de kapellmeister (maestro de capilla) en la corte del príncipe Leopold de Anhalt-Köthen, quien puso a su disposición tiempo y medios para desplegar todas sus habilidades compositivas. Están escritos bajo un estilo heterogéneo, que toma elementos de las maneras italiana, alemana y francesa, sintetizando el modelo del "concerto grosso" y el modelo del "concerto solístico". La portada autógrafa indica "concerti para varios instrumentos", y, precisamente, éste es uno de los rasgos distintivos de dichas composiciones: la variedad y el ingenio en el planteamiento orquestal, la riqueza de recursos y de combinaciones instrumentales. 


La audición que proponemos a continuación es un fragmento del primer movimiento del Concierto de Brandemburgo n.º 2 BWV 1047. Se trata de un concerto grosso (para un pequeño grupo de solistas y orquesta) que consta de tres movimientos: allegro-andante-allegro assai.

El conjunto de instrumentos se divide en dos grupos que dialogan entre sí: el tutti y el concertino. El tutti, en líneas generales, está formado por la sección de cuerda (a cuatro partes o voces) y el clavicémbalo. El concertino está integrado por un grupo reducido de instrumentos de cuerda o de viento. La característica fundamental del concerto grosso es el contraste y el diálogo entre los dos grupos instrumentales a modo antifonal.


Escucha e indica si las siguientes afirmaciones son verdaderas o falsas:
  • Trompeta, flauta dulce, oboe y violín adquieren el papel de solista.
  • Cuerda y bajo continuo conforman el tutti.
  • Destaca el virtuosismo de la trompeta.
  • Cada línea melódica está concebida para que la interprete cualquier instrumento.
  • La obra se inicia con una textura homofónica.

Aquí tenéis otra versión para comparar.